«Un segundo», dijo Steve Angello mientras respondía a mi videollamada. «Tengo que bajar la música navideña». Steve estaba de vuelta en casa, en una Estocolmo nevada, y parecía estar de humor festivo. Cuando más tarde repasé nuestra conversación, me di cuenta de que había utilizado la palabra «diversión» 21 veces. Sin embargo, no creo que fuera sólo el espíritu navideño. Cuando se trata de pinchar, parece que la «diversión» es un principio rector para Steve, ya que todo, desde la forma en que mezcla hasta los eventos que elige para pinchar y la música que selecciona, tiene que evocar en él una profunda sensación de placer.
Steve agradece el hecho de poder moldear su carrera de esta manera, pero a estas alturas podemos decir que se lo ha ganado a pulso. Empezó a pinchar a los 12 años como DJ de scratch y hip-hop, antes de labrarse una reputación como prolífico productor de house y techno de club a principios de la década de 2000.
En esa época, la música de Steve coqueteó con la corriente dominante, alcanzando el éxito en las listas con la remezcla de Bronski Beat «Tell Me Why». Pero a partir de 2008, con la formación de Swedish House Mafia junto a sus amigos Axwell y Sebastian Ingrosso, las cosas empezaron a ir realmente bien. Como tres artistas de éxito independiente con oído para los ganchos pop, el grupo estaba en una posición ideal para subirse a la masiva ola emergente de EDM en Estados Unidos y más allá. Se convirtieron en cabeza de cartel de algunos de los mayores festivales del mundo y ganaron premios Grammy por «Save The World» y «Don’t You Worry Child».
Toda esta experiencia en el estudio y en la cabina de DJ ha llevado a Steve a un estilo híbrido que mezcla el trabajo de DJ con la actuación en directo. Descompone los temas -principalmente los suyos y los de Swedish House Mafia, así como los de su sello Size- y los recombina mediante actuaciones improvisadas con las herramientas de un DJ. Hablamos de todo esto en profundidad, así como del enorme equipo que se monta en los conciertos de Swedish House Mafia y de los consejos de Steve para los aspirantes a DJ.
Sueles utilizar cuatro CDJ, un mixer V10 y el sampler SP16. ¿Por qué te decidiste por esta configuración?
He tenido la suerte de ser DJ desde la época del vinilo. Pasé de pinchar con cuatro giradiscos y un mixer. Llegué a los primeros CDJ y, a partir de ahí, siempre me he movido con Pioneer, y siempre con configuraciones más grandes. La razón por la que uso el V10 es porque necesito canales extra. Así que fue una evolución muy natural. Si tengo varios sintetizadores analógicos, puedo usar un mixer de línea aparte. Y luego los conecto directamente a un canal del V10. Siempre me han gustado los mixers grandes.
Es interesante oír que tocabas con cuatro platos.
Porque cuando yo empecé era más de breaks y beats, de hip-hop, de scratch. Era más una actuación. Y luego me metí en la música electrónica cuando tenía unos 15 años. Adapté el scratch y las partes técnicas de los breaks y las acapellas y los fragmentos vocales y los chops a la música electrónica. Para mí fue una evolución reproducir la música en los CDJs uno y cuatro, y luego utilizar el tres y el dos para cosas de interpretación, manteniéndolo cerca del mixer.
¿Sigues actuando así?
Cuando pincho sets largos y es más como una situación de almacén o techno, pincho los cuatro CDJs de música. Cuando toco en un festival, pongo los CDJ dos y tres para la música y los CDJ uno y cuatro para las acapellas y los efectos de sonido.
¿Qué le lleva a actuar de esta manera?
Creo que en el fondo es el productor. Tienes un bucle de hi-hat en el CDJ izquierdo, metes la batería en el derecho, y luego puedo jugar con una acapella y entrar con la segunda canción, ¿sabes? Es más como construir bloques. Encuentras Hot Cues y loops, y luego construyes tu set y evolucionas a través de grandes breakdowns, transformaciones y transiciones. He hecho sets con seis CDJ. Es el ego del productor: quieres divertirte. Cuando haces tantos conciertos, quieres alimentarte, divertirte y no limitarte a hacer algo programado. Incluso en los escenarios principales.
Parece que tus sesiones de DJ se acercan bastante a la actuación en directo.
Eso sería justo, sin duda. Creo que una vez que has actuado en directo, te acostumbras a tener libertad. Además, cuando empecé a hacerlo, en 2016 o 17, mi cerebro se expandió un poco. Ahora no puedo usar dos canciones y mezclarlas de un lado a otro, eso le quita la diversión.
¿Qué te llevó a cambiar en 2016?
Hice un festival y añadí un montaje en directo. Y después de esos conciertos, me dije: esto es mucho más que eso, ¿sabes?
¿Cuáles son las principales diferencias entre cómo mezclas ahora y antes?
Sigo pensando que es el mismo tipo y estilo, porque lo heredé de la época de los vinilos. Creo que es más como una actuación. Me gusta hacer bucles. Me gusta el bootlegging en directo. Me gustan las ediciones. Me encantan las vibraciones.
Siento que tengo dos personalidades. Me encantan las salas oscuras, me encanta el club. Así es como crecimos y eso siempre estará ahí. Luego, en los grandes escenarios, obviamente hay más nervios y más público, pero yo trabajo mucho en la música que pincho. El 90% es música mía, de Swedish House Mafia o de mi sello. Así que si te sientes cómodo con la música, es muy natural jugar con ella. No llego a un festival, cojo el top 10 de Beatport y actúo. Edito, quito un stem si va a entrar en conflicto con una voz. Puedo hacer lo que sea. Me preparo mucho.
Puedo cambiar las teclas de los sintetizadores y las canciones. Puedo coger los acordes de otra canción. En cada concierto hay un 80% de canciones editadas. Puedo ir y quitar un fragmento de una voz porque quiero meter otra. Esa es la ventaja de rekordbox, es muy fácil de organizar, me resulta muy fácil seguir lo que estoy haciendo. Estaré en un avión y diré: «Quiero tocar esta línea de bajo con esta canción». Voy y quito la bassline de la canción, la bounce, la pongo en rekordbox.
Solomon y yo hicimos un back-to-back de siete horas este verano en Ibiza. Y obviamente no podría editar siete horas de música, eso me llevaría un mes. Así que en esa situación será diferente, lo harás sobre la marcha. Pero cuando hago grandes festivales puedo tener toda la libertad porque he hecho toda la música.
Cada vez que actúo, la gente me dice: «Oh, necesitamos esta canción. Necesitamos esta edición». Pero todas son exclusivas de esos conciertos, ¿sabes?
¿Qué compone el otro 20% de lo que tocas?
La mayoría son ediciones que recibo de gente al azar de mis viejas canciones que no había pensado en tocar. O alguien ha hecho un buen bootleg de algo. Un clásico que hace tiempo que no escucho. Demos para el sello. Puede ser cualquier cosa. Me encanta probar cosas nuevas todo el tiempo. Así que cada show tiene música nueva, obviamente. Quiero tener esa libertad de hacer lo que me apetezca.
¿Qué papel desempeñan para usted Hot Cues y los loops? Parece que son una parte fundamental de lo que haces.
Sí, sobre todo con los fragmentos y esas cosas. Cuando estoy en un avión, en lugar de meterme en una acapella y quitar la estrofa o cosas así, me encanta utilizar los Hot Cues porque es una forma fácil de establecer los puntos de partida de todo, especialmente de los instrumentales. Puedo tener funciones de bucle como: «Vale, en esta pieza de aquí quiero repetir estos compases ocho veces porque quiero meter esta acapella, funciona muy bien en la estrofa». Es como un productor jugando con una caja de ritmos.
¿Alguna vez has tenido la sensación de que algunas de estas combinaciones de sonidos en directo, estos experimentos, no funcionan tan bien?
A veces tengo la sensación de que las vibraciones no son las adecuadas, así que hago un bucle y sigo adelante, ¿sabes? No uso la sincronización, así que a veces pierdo el ritmo. A veces me equivoco un poco y piensas, mierda, ¿qué hago entonces? Pero en realidad no me pongo nervioso actuando, así que simplemente me divierto.
Dada tu forma de actuar, me sorprende que no uses la sincronización.
A mí me falló un par de veces. Vale, no sé si fui yo el que lo estropeó o… Estoy tan acostumbrado a tener las manos en el tempo, la desaceleración y aceleración. Estoy tan acostumbrado a tocar y sentir [las mezclas] que a veces, cuando empiezo a hacer eso con la sincronización, las cosas se desincronizan, ¿sabes?
¿Cuáles son las funciones del V10 que utilizas con más frecuencia?
Los envíos y retornos cuando utilizo la caja de efectos y demás. Los canales adicionales son fundamentales para meter cajas de ritmos o lo que me apetezca. Obviamente, el aislador de la salida master es importante. Debido a que también tiene los filtros, puede tipo de doble. Es como dos filtros, básicamente. Puedo cortar los graves y jugar con los aisladores. Creo que suena muy bien. Lo presiono bastante. Y nunca ha fallado.
Los efectos son algo que me encanta, siempre he sido un fan de los mixers más grandes, así que siento que tengo más control con los mandos más grandes. Se siente seguro.
¿Eres un DJ al que siempre le ha atraído el uso de efectos?
Cuando éramos jóvenes, teníamos que comprar pedales en las tiendas de guitarras. Luego, cuando evolucionó y conseguimos la primera caja de efectos, fue algo muy importante para nosotros, porque entonces podíamos añadir acapellas, reverbs, delays y divertirnos con ello. Cuando los mixers evolucionaron e incluyeron efectos, nos ayudó mucho, porque grabamos y editamos mucho en directo. Las acapellas suelen ser secas y aburridas, así que queríamos incluir reverberaciones, hacer efectos -especialmente en los loops- con los filtros. Puedes crear grandes transiciones. Creas una atmósfera, ¿no? Es como lo que habría hecho si hubiera creado una canción en Logic, pero con la posibilidad de hacerlo sobre la marcha, lo cual es importante para mí.
En el V10, el ecualizador de los efectos es importante porque como productor tienes el oído para sentir cuando las cosas chocan. Así que siempre pongo la reverb sólo en los medios… es como un complemento muy agradable poder eliminar a veces los graves y los agudos.
¿Y el SP16, para qué lo sueles utilizar?
Redobles de batería, muestras, fragmentos, efectos. Puedes hacer bombos en buildups que en vez de disparar el CDJ en el «one beat» puedo disparar el bombo para que vaya más rápido y más fuerte. Tienes el filtro ahí, así que puedes montarlo como si estuvieras corriendo sobre un redoble de caja. Es como una extensión… en lugar de depender siempre de los CDJ para activar los cues.
Yo entraba en las canciones y sacaba el redoble y lo ponía en la caja de ritmos. Así puedo crear fácilmente un catálogo de mis propios fragmentos.
¿Tengo entendido que sincronizas con ShowKontrol, el software de eventos en directo?
Sí, la parte de la actuación, como las luces y los visuales y demás, es obviamente muy importante. Nuestros espectáculos están muy programados en el sentido de su aspecto. Programamos bloques. Así que yo diría: «Esto son 15 minutos, me voy volando, está oscuro, quiero que todo sean luces estroboscópicas rojas y blancas». Si ShowKontrol detecta un patrón de batería, se activará una luz estroboscópica detrás de mí. Es tan fluido que contribuye a la sensación de la actuación. Destaca lo que estás haciendo sin poner una cámara y un foco sobre ti.
Trabajas con los técnicos de iluminación y les dices: «Este es el primer capítulo del espectáculo, este es el ambiente que quiero crear». Y luego este es el segundo capítulo…»
Y les envío canciones. Esta es la introducción. Esta es esta canción, esta es aquella canción. Y ellos programan todas y cada una de las canciones. Así que lo tienen en vistas previas y luego si me salgo del guión no pasa nada porque cada canción está programada.
Parece que cuando llegas a la fase de tocar en esos enormes conciertos, los requisitos son diferentes, las consideraciones son más amplias.
Sí, cada concierto es una situación diferente. Diferentes tiempos, diferentes tipos de festivales, diferentes multitudes. Así que tienes que hacer cosas sobre la marcha todo el tiempo. Pero desde el punto de vista de la producción, estamos un poco mimados con estas giras masivas, en las que compramos nuestras propias entradas. Así que tenemos un gran camión rodando con nosotros, tenemos nuestros equipos.
Pero cuando llegas a los festivales, donde no puedes tocar los visuales ni las luces, tienes que adaptarte. No puedes depender ni de una cosa ni de la otra. Solo tienes que asegurarte de que la música está en su punto. Incluso si voy a Tomorrowland, donde ellos dirigen el espectáculo, colaboraríamos estrechamente con ellos sobre cómo quiero que sea. Les enviamos las canciones que quiero tocar. «Estos son los looks a los que quiero llegar. Estos son los colores». Así que estamos muy, muy involucrados en todas esas cosas también. Después de años haciendo esto, uno quiere implicarse más, porque de lo contrario se siente como un robot que sólo vuela y toca.
¿Disfruta trabajando en todos estos aspectos diferentes de los espectáculos?
Me encanta.
Te lo pregunto porque imagino que para algunos DJ, que como tú tienen una formación de DJ en su forma más simple, podría ser demasiado pensar en ello.
Empezamos muy pronto, y poco a poco nos fuimos metiendo en este papel. Nos llevó 20 años. Cuando no te lanzan a ello, es diferente. Crecimos con ello. Crecimos con la evolución de la tecnología. Crecimos con la evolución de los aficionados, introduciéndonos poco a poco en estas cosas. Así que no es tan abrumador como lo sería si te metieran en la mezcla hoy en día. Tengo muchos artistas jóvenes con los que trabajo y se preguntan: «Mierda, voy a actuar en este festival, ¿qué hago?». Todavía me pasa porque es una gran responsabilidad. Está sobre ti, ¿sabes? Así que la presión es inmensa para algunos de estos chicos jóvenes.
Has mencionado la gira completa, la experiencia completa de Swedish House Mafia. ¿Cómo es desde el punto de vista técnico?
Es una locura. Así que correríamos el V10 como la base. Busca el Teenage Engineering Mother Of All Decks.
Vaya.
Es bastante avanzado. Lo bueno es que, los CDJs y el V10 son las partes principales y también ejecutaríamos un iPad y ejecutaríamos algunos tallos. Al igual que mi configuración, usted tiene todas estas especias adicionales. Usamos cajas de ritmos, la misma situación, pero a mayor escala.
Eso es lo que hicimos en la última gira. Y luego en la nueva, grabamos todas esas partes y fragmentos en stems, y programábamos esas cosas sobre la marcha. Sincronizamos todo en un portátil escondido al lado de la mesa con un iPad. Así que el material nativo se ejecutaba en un iPad y se sincronizaba con un portátil que se conectaba a los CDJ.
¿Hay todavía áreas que te gustaría explorar? ¿Áreas de este estilo de actuación en las que te gustaría centrarte más?
Lo he probado todo, ¿sabes? Y a mí personalmente no me convence todo el tema del directo. Hice un show en Creamfields en 2017 cuando estaba usando DAWs para una situación completa en vivo. Pero estaba tan centrado en no cagarla que me olvidé de divertirme. Sí, ya sabes, porque lo fue. Estaba tan en sintonía con las cosas técnicas que me bajé del escenario y pregunté: «¿Cómo fue?», porque ni siquiera podía decirlo.
Así que me encanta el oficio de DJ como base de mis espectáculos. Creo que ese tipo de actuación tiene todo el sentido del mundo en un entorno de DJ. Y la libertad: Puedo llevar mi USB a una sala de 100 personas y puedo darle caña y divertirme con ello, ¿sabes?
¿Hay algún consejo que darías a los DJ y a los artistas cuando se trata de destacar en el aspecto técnico?
No sé si es una cuestión de configuración. Creo que se trata más bien de destacar tal y como eres, ¿sabes? Creo que es algo personal. Si eres un artista en vivo, lo entiendo, tienes tu configuración, y eso es único, y todo el respeto a ella.
Pero recuerdo ver la configuración en directo de Daft Punk, con los Moogs y todo eso, y un buen amigo mío, que no voy a mencionar por su nombre, montó su configuración en directo, y [el equipo] era para darle sabor, ¿sabes? No estaba funcionando todo. Así que creo que es más sobre el sabor del espectáculo. Pensar en ser único, en tu viaje musical y tus gustos, más que en añadir equipo.
Creo que cualquier DJ del mundo debería ser capaz de pinchar con un CDJ y un mixer. Creo que la forma de tocar, las canciones que eliges, las ediciones que haces y tus mezclas son lo que importa al fin y al cabo.
El equipo es más para la comodidad y la sensación de libertad como intérprete, si estás acostumbrado a ciertos equipos. Creo que la clave está en encontrar la esencia de la música. Y luego piensa en tu actuación en el escenario y en lo bien que te lo estás pasando, porque el público te va a leer, y si estás demasiado encerrado en el equipo… Al fin y al cabo, la gente sale de fiesta, así que quieres divertirte y tienes que estar en sintonía con el público.
